SO WHAT! INTERVISTA 72 SEASONS| JAMES HETFIELD

10 APRILE 2023| DI STEFFAN CHIRAZI

Non c’è un modo accademico o persino letterario per introdurre la conversazione che ho avuto con James Hetfield nel gennaio 2023. Apparentemente per discutere degli ingredienti e delle aure di 72 Seasons dal suo punto di vista, la conversazione si sarebbe rivelata abbracciare alcuni dei pensieri e dei sentimenti più sinceri sulla sua vita e sul suo processo creativo che io possa ricordare. Abbiamo avuto molte discussioni – interviste, suppongo – per il So What! nel corso dei decenni. E ognuna ha sempre visto James aperto quanto fosse possibile esserlo in quel momento.

Questa conversazione, questo momento temporale, questa era della sua vita vedono James abbandonare ulteriormente le protezioni e rispondere alle domande con un senso di sé più grezzo che mai. Ho cominciato a percepire che forse stava entrando in una nuova fase di sé quando si è aperto per la prima volta dal palco in Sud America durante la primavera del 2022. Ha parlato di come le persone non dovrebbero “sentirsi sole” prima di continuare ad empatizzare con decine di migliaia di persone ogni sera riguardo alla depressione e all’ansia; che cosa enorme da fare.

Sono arrivato a questa conversazione con una curiosa ansia nonostante la nostra lunga storia. Sapevo che c’erano cose importanti (e, a volte, scomode) da chiedere e discutere. Nessun problema; abbiamo trovato rapidamente comfort e andamento. Un’ultima cosa prima di cominciare. Dopo aver ascoltato per la prima volta 72 Seasons in una versione grezza verso la fine dell’autunno del ’22, sono rimasto così colpito dalla crudezza dei testi, gliel’ho fatto subito sapere. Mi ha detto che era “…entusiasta del passaggio verso prospettive più positive sull’oscurità”.

Penso che tutti siamo entusiasti dell’evoluzione di questa prospettiva e grati per il servizio di James Hetfield nel condividerla con tutti noi.

Steffan Chirazi: Cominciamo da marzo 2020… Viene dichiarata la pandemia. È qualche mese dopo che hai deciso di intraprendere un passo personale per te stesso e tornare in riabilitazione. Se torni a quel momento nel tempo, cosa ricordi di provare? Dov’eri nel tuo percorso, come sembrava che stesse andando il mondo, e cosa potrebbe significare tutto ciò per i Metallica?

James Hetfield: I sentimenti del 2020, all’inizio della primavera del 2020… per me, c’è stata di nuovo una rinascita, rendendomi conto che la mia vita aveva bisogno di aiuto. Andare in riabilitazione, mettere in pausa alcune cose della band di nuovo per motivi di salute personale, salute mentale, capisci? Questo ha la priorità, anche se vorrei solo continuare a correre e lasciare che la band continuasse a correre via dai problemi. Avevo bisogno di affrontare delle cose. Molta cruda sincerità in quel momento. È davvero difficile quando ci sono così tante cose che accadono intorno a te nel resto della tua vita prenderti del tempo per te stesso, per portarti almeno a un punto in cui senti di funzionare. E per me, non è stato facile a volte isolare il resto del mondo.

E poi, ovviamente, quando è successa la pandemia, è stato – e voglio formulare questo correttamente perché è stato orribile, assolutamente orribile per molte persone – in un certo senso, è stato una sorta di lato positivo per me. Sono stato in grado di mettere i freni alla vita e prendere davvero del tempo per abbracciare i miei bisogni in quel momento. Quindi sì, non sminuendo tutte le cose terribili che stavano accadendo in quel momento. È stato semplicemente una cosa tempestiva che è successa, e posso vedere il lato positivo per me.

SC: Dal lato della domanda, non so se hai “un diario,” non te l’ho mai chiesto. Facevi qualcosa di questo tipo all’inizio del lockdown? Stavi esprimendo questi sentimenti in altri modi oltre che andare in terapia e rifletterci su?

JH: Beh, sì, terapia e programma e riabilitazioni e tutte quelle cose. Mi aiuta tutto per ottenere un po’ di aiuto esterno su quelle cose e sui problemi del mio passato. Per quanto riguarda il diario, tengo un diario su certi problemi o argomenti che stanno accadendo con me. Non sono del tipo che si siede quotidianamente a tenere un diario di sorta. Tipo, “Sì, oggi è la pandemia, e mi sento così e così,” non c’era molto di quello. Ma sì, scarabocchiare e scrivere sono sicuramente cose che mi aiutano. Di solito, quando c’è del tempo libero, tendono a emergere questioni liriche, argomenti, ovviamente quando non siamo concentrati su cose che abbiamo fatto in passato. C’è questa pausa, c’è uno spazio, uno spazio bianco lì per nuove idee e nuove cose che entrano.

SC: Quei primi incontri su Zoom che facevi, ovviamente oltre quelli che facevi dopo le prime riabilitazioni, intendo [quelli] appena iniziato il lockdown. Quelli in cui tutti cercavano di capire, “Bene, che cosa facciamo? Facciamo cose dal vivo, facciamo questo, facciamo quello?”

Avevi paura di affrontare questioni legate ai Metallica in quel momento? C’era titubanza nel trattare il concetto di dover fare qualcosa durante la pandemia, trattare con queste altre tre persone e quale fosse il tuo ruolo e il tuo rapporto con i Metallica in quel momento? Era tutto un qualcosa che ti causava ansia?

JH: Sì, il tempo libero durante la pandemia, la paura di “cosa significa per noi?” Stavamo andando a scrivere un disco comunque a un certo punto. Non è che eravamo nel bel mezzo di un tour o qualcosa del genere… anche se suppongo che lo fossimo. La pandemia ha fermato i tour di tutti. Avevo la sensazione che tutto lo spettacolo sarebbe stato messo in pausa, e cosa faremmo con quel tempo? Quando siamo a casa? Scrivere. È un po’ ovvio.

Quindi stavo scrivendo, stavo facendo cose da solo. Gli altri ragazzi… il virus Covid ha messo sicuramente molta paura in molte persone. Credo che certi altri ragazzi della band che vivevano in città più grandi ne siano stati colpiti molto più di me. Sono fuori nel bel mezzo del nulla in una valle tra le montagne. Non ha influenzato molto la vita di montagna. Si era ancora in grado di uscire, di stare con poche persone con cui ti sentivi a tuo agio. Fare escursioni, fare cose, essere in grado di uscire di casa almeno. So che è stato piuttosto difficile per Lars, in particolare, essendo a San Francisco – in una città dove c’era un lockdown e c’era molta paura intorno. Sai, la gente moriva, e nessuno voleva rischiare la propria vita, cosa che capisco. Per me, non ho sentito lo stringimento della situazione tanto quanto gli altri. E tendo a ribellarmi contro la paura del mondo comunque. Creo le mie paure molto bene, molto facilmente!

Ma a quel punto, sì, “Come possiamo riunirci? Come iniziamo a scrivere? Cosa faremo?” E Zoom ha davvero decollato. Grazie a Dio per quello perché c’era una connessione. C’era una connessione mentre stai seduto nella tua sorta di quarantena fatta in casa. Anche se non eri malato, ti nascondevi. Ti nascondevi. E quindi Zoom è stata una grande connessione. Cercare di capire come possiamo usare Zoom, come possiamo riunirci, come possiamo fare qualcosa insieme su quella piattaforma media?

Mi sono un po’ arrabbiato e stufato. “Sapete cosa? Fanculo tutto. Cosa potrebbe essere una cosa fantastica per riconnettere la band?” Abbiamo fatto versioni acustiche di alcune canzoni per il Bridge School, per la beneficienza all’All Within My Hands e cose del genere. Perché non prendere una canzone e giocarci un po’? Quindi ho preso “Blackened” – e alla fine ho fatto un paio di cose diverse con un paio di altre canzoni – ma “Blackened” sembrava essere diventata qualcosa. Non so, c’era qualcosa che mi ha colpito, e ho detto semplicemente: “Ehi, ragazzi, ecco una sfida. Vi mando qualcosa. Aggiungeteci qualcosa. Siete musicisti. Abbracciamo questa sfida dell’isolamento e connettiamoci con ciò che facciamo meglio”.

Così ho inciso – avevo un microfono acustico e il mio solito microfono vocale – ho inciso su un paio di tracce diverse, le ho inviate a Greg Fidelman, il nostro produttore, e loro hanno trovato il modo di farli arrivare agli altri ragazzi. Ho detto: “Ehi, mettete quello che sentite di voler mettere su questo. Divertiamoci con questo, non studiatelo troppo, non ascoltatelo troppo attentamente, sentitelo semplicemente”. E “Blackened 2020” è ciò che è successo da lì, ed è stato l’inizio della riconnessione online con il nostro flusso creativo.

Ci sono momenti in cui abbiamo paura di aprire quella scatola di Pandora, la scatola di Pandora dei riff, “Oh, ecco un riff”. E poi una volta che guardi quel riff, ci sono centinaia di altri riff. Ok, il processo è iniziato. Cominceremo a scrivere un album. Ed è importante che siamo tutti più o meno sulla stessa lunghezza d’onda. Ma sì, quel piccolo progetto/idea di “Blackened 2020” è stato molto salutare, penso, per tutti noi per riconnetterci.

SC: Quello è stato come l’antipasto prima di passare al piatto principale, il tuo modo di aprire quella scatola di Pandora. Questo mi fa venire in mente qualcosa che vorrei chiederti. Quando lanci qualcosa come “Blackened 2020” e dici “Aggiungi qualcosa”, era il tuo modo di assicurarti che la chimica in cui hai fiducia da decenni fosse ancora lì? Che tutto sarebbe stato ok?

JH: È possibile. Sai, lanciare l’idea dell “aggiungi qualcosa a questo che ho in mente. Devo fare qualcosa. Abbiamo bisogno di fare qualcosa qui. Sto un po’ impazzendo. Voglio sapere che siamo ancora validi nella nostra forma d’arte. Siamo ancora connessi.” E questo ha dato il via a una Zoom settimanale. Solo una Zoom settimanale con i ragazzi. È interessante… non sono Io a pianificare qualcosa, a organizzare qualcosa del genere. E ho solo detto: “Ehi ragazzi, facciamo una Zoom una volta alla settimana, usciamo insieme, chiacchieriamo, vediamo com’è la situazione”, tutto questo. Questo ha dato inizio a un’altra riconnessione durante la pausa del Covid. Ma “Blackened 2020” in particolare è stato, credo, un’estensione del mio bisogno di creazione intuitiva: smettere di pensare, suonare semplicemente, fare. fallo. Fai ciò che Dio ti ha dato, amico. Così l’ho fatto e l’ho passato agli altri.

Negli anni, c’è stato, forse, un silenzioso predominio con Lars ed Io che facevamo tutto – escludendo gli altri. Quindi, volendo aprire quelle porte della creatività anche ad altre persone nella band e dare loro un microfono più forte di quanto forse vogliano. L’ho lanciato lì fuori e detto: “Fate quello che sentite di voler fare. Ecco perché siamo in una band.” E credo abbia aperto molto di più la porta a Kirk e Rob per aggiungere più idee e correre con qualcosa, avendo più input quando finalmente siamo andati a registrare. Questo è sicuramente qualcosa che è iniziato con “Blackened 2020”.

SC: C’è una realtà non detta di cui voglio parlare. Le volte che sei stato in riabilitazione, iniziano le voci. “Oh, i Metallica si stanno sciogliendo. Non accadrà mai più.” E so che a volte ti sei sentito a disagio nell’essere l’oggetto delle proiezioni di tutti. Sei uno schermo per molte persone, un punto di empatia, e c’è molta pressione in questo.

Parli del trovare un po’ di conforto nel riuscire a stare fermi durante il 2020. Credi che quel momento sia stato il momento in cui hai finalmente iniziato ad accettare che “questo sei tu”? Questo è ciò che fai, questo è come parli alle persone, questo è come ti connetti con loro? Lo hai detto molto più di recente, ma non ti ho mai sentito dirlo. “Questo è ciò per cui sono qui.” E hai detto che è ciò che Dio ti ha messo qui per fare. Credi di aver cominciato a fidarti davvero di questo solo negli ultimi anni? È un’ipotesi corretta, forse?

JH: Sì, penso [di sì], e anche solo per puro timore che non so cosa farebbe della mia vita. Suonare musica e esserne al servizio, andare in tour, suonare, scrivere, creare. Grazie mille a Dio per questo. Perché non so dove sarei. Quindi mi preoccupo per questo, e devo abbracciarlo e accettarlo.

Per quanto riguarda le preoccupazioni, le paure e le ansie degli altri riguardo al futuro dei Metallica o meno, sai, non mi sento responsabile di loro. Ma mi sento responsabile di ciò che posso fare, di ciò che posso mettere là fuori. Forse sembra egoistico pensare che ci siano così tante persone che contano sul disco dei Metallica per passare l’anno, qualunque cosa sia, [ma] capisco che aiuta le persone.

Non dipende assolutamente da me. E penso che la maggior parte dei commenti riguardo alla mia permanenza in riabilitazione e a tutto il resto, le teorie delle persone, le idee delle persone… cosa significa? Sai, cercare di capire me stesso. Sto ancora cercando di capire “me” stesso. Voglio dire, tutte quelle cose sono fuori dal mio controllo, amico. E capisco [che] la maggior parte di quelle cose è basata sulla paura perché vogliono che i Metallica continuino. Anche io. Anche io, e faccio del mio meglio per farlo, ed è per questo che vado via. Ed è per questo che vado e riavvio. Questo sono io. Abbracciare quella parte di me. E mi permette anche di essere più vulnerabile – guardare il mondo più negli occhi e dire semplicemente: “Ehi, questa è la mia vita. Vorrei che fosse diversa, vorrei che fosse facile, vorrei non dover fare tutte queste cose, ma ci passo attraverso. E porta combustibile e significato e scopo al mio mestiere.”

SC: Beh, per quanto valga, penso che il nucleo di questo disco sia l’onestà e il comfort nella vulnerabilità e nei demoni che hai. E che forse dovrai sempre accomodare in qualche modo. Penso che sia evidente che hai accettato che quelle cose siano, in un certo senso, parte di te. Ma ci addentreremo in questo tra un momento.

Voglio chiederti: mentre stai ordinando e passando attraverso la “scatola di Pandora dei riff” per questo disco – mentre stai cominciando a metterli insieme, con tutta la valutazione che fai in quel momento… Ti è mai venuto in mente che, “Ok, questo è il terzo atto della vita”? Senza voler essere morbosamente pessimisti, ci sono generalmente tre atti, giusto? Probabilmente hai 30-30-30 in termini di anni di vita.

JH: È interessante, tutto il processo del “che me ne importa” di dire: “Non mi interessa cosa pensano gli altri, questo è ciò che devo fare, questo è ciò che devo scrivere”. Sì, immagino ci siano forse tre diverse fasi di “che me ne importa”. La prima fase di “che me ne importa” era: “Non ci importa cosa pensano gli altri”. Siamo solo ribelli contro il mondo. Non abbiamo idea del perché, ma lo siamo.

E poi, in una sorta di punto intermedio, stai cercando di capire: “Cosa significa questo per gli altri?” E ancora mantenendo quel ribelle “che me ne importa”. Questo rimarrà sempre.

Parlo con molte persone anziane, e c’è un sentimento del tipo: “Che me ne importa, non mi interessa cosa pensi, sono un vecchio, non mi interessa!” C’è forse un po’ di questo, ma alla fine della giornata, cercare di nascondere ciò che accade nella mia testa e nella mia vita… sai, ho una storia sacra. Ognuno ne ha una. Tutti ne hanno una. Posso condividerla, e questo è un dono. Altre persone possono condividerle nel modo che possono, con la famiglia, con gli amici, scrivendo un libro, qualsiasi cosa. Posso condividerla attraverso la musica, e può raggiungere molte persone. Quindi sono fortunato.

SC: Voglio tornare ovviamente agli aspetti lirici, ma parliamo solo un po’ di musica per un attimo; parliamo di riff. Ho notato che ho pensato che l’architettura effettiva di questo album fosse molto grezza. È sembrata molto selvaggia nel miglior modo possibile, davvero apprezzando influenze del passato, apprezzando i tuoi strumenti. Ho sentito molta gioia nel suonare la chitarra. Quindi parla di come hai messo insieme questi riff nelle canzoni che sono poi diventate, e parla del ruolo di Rob, del ruolo di Kirk e del tuo ruolo nell’aprire la porta e invitare quella energia collaborativa.

JH: Sì. Molta – uuh – molta chirurgia a cuore aperto in un certo senso in questo album. Ci siamo aperti. Ero molto più pronto ad aprire il mio cuore a tutti nella band: liricamente, emotivamente e creativamente. Ero davvero un sostenitore, mi sforzavo di dire, “Inviate i vostri riff. Abbiamo bisogno di roba, dai,” sapete? Non voglio più sedermi lì con [solo] Lars e creare le canzoni. Voglio che tutti ne facciano parte e siano coinvolti. “Possiamo tutti partecipare? Possiamo essere tutti in studio insieme? Possiamo suonare insieme su queste cose? Puoi parlare e dire cosa pensi che potrebbe essere grande e non così grande?” Volevo davvero aprire tutto, e ci sono state delle sfide in questo. Ma penso che abbiamo superato la maggior parte di esse, sai?

E ancora una volta, ognuno di noi ha la propria personalità per una ragione, e a volte, quando metti il microfono davanti a qualcuno e dici, “Ecco qua, di’ quello che vuoi,” si rendono conto che forse non lo vogliono e che sono meglio a suonare quello che hai ideato tu. E anch’io sono così. Qualcuno proporrà un’idea. Sono bravo a prenderla e spero di portarla al livello successivo. Quindi è stato impegnativo, ma disponibile, e questo è stato molto liberatorio per tutti.

Ci è voluto più tempo perché c’erano più voci, ovviamente, e poi Greg Fidelman è un orecchio esterno affidabile. Ed è in grado di dire, “Non so riguardo a questo,” o “Ehi, questo è davvero buono, fallo di nuovo.” Quindi il processo di scrittura è stato molto più aperto e molto più divertente avendo tutti e quattro qui. Sai, “Ecco un riff – andiamo a suonare su di esso e poi vediamo cosa ne esce.” Ci sono così tanti modi diversi di approcciare la scrittura di una canzone. In passato, alcune erano già un po’ assemblate e portate alla band. Questo era un po’ più, “Ehi, questo riff da Manchester, è fantastico! Vediamo cosa possiamo farci.” Quindi è iniziato con meno ingredienti, direi. Stavamo costruendo questo disco, e c’erano quattro chef anziché solo due.

SC: Quello che hai detto riguardo “aprire il processo” è qualcosa che penso sarebbe molto intrigante per le persone da comprendere. Tu e Lars siete stati coinvolti in un processo per decenni. Lo chiederò anche a lui, ma quanto è stato difficile dirgli, “Guarda, ho bisogno di aprire il processo creativo. Ho bisogno di tutti, degli altri contributi. Non voglio che sia solo io e te”?

JH: Beh, penso che tutti abbiamo paura dei cambiamenti. Tutti abbiamo paura del cambiamento o, “Aspetta, questo sta funzionando, continuiamo così”, sai? Ma come artista, come qualcuno che è creativo, mi piacciono quelle sfide. Non mi piacciono molto nella vita normale; non mi piacciono i cambiamenti e le sfide. Ma in studio, mi sento a mio agio, e penso che Lars alla fine abbia capito perché e dove stessi cercando di andare con questo. E anche se non c’era il contributo degli altri, avere semplicemente quel vuoto per i contributi era fantastico.

Sai, ci sono stati momenti in cui tutti e quattro eravamo in studio, e Lars mi guardava [chiedendo], “Cosa pensi che sia la prossima parte?” E io restavo solo in silenzio. Dicevo solo, “Cosa pensate voi? Cosa state sentendo?” Ci si sentiva davvero liberi nel potersi solo sedere e lasciare che il processo andasse avanti da solo. E sì, ci è voluto più tempo, e forse abbiamo passato dieci idee che non funzionavano per arrivare a una che funzionava, ma se non stai cercando oro, non ne troverai. Quindi ci sono state pepite che ne sono uscite e che erano semplicemente incredibili.

SC: Quando guardi indietro ora, pensi che l’elemento di chimica più importante sia stato imparare a fidarsi delle differenze degli altri più che mai? E sapere che qualunque cosa qualcuno porti sul tavolo è vitale a modo suo? Forse non è così importante per tutti essere al 25 percento, 25 percento, eccetera?

JH: Sì. Penso che il fattore fiducia in ognuno di noi e l’accettazione di chi siamo e di come affrontiamo le cose stia diventando più facile mano a mano che invecchiamo. E ognuno di noi ha i suoi modi di pensare troppo alle cose, pensare troppo poco alle cose, non essere preparati, essere troppo preparati… abbracciare tutto ciò.

Sai, tutti possiamo tornare al nostro stato predefinito, oppure possiamo anche fingere che “ho bisogno di questo, e devo dire questo in questa band”. E alla fine, è più importante solo essere ascoltati che non avere effettivamente qualcosa che accada, sai? Quindi permettere alla voce di essere ascoltata, impari ancora di più su quella persona, e loro imparano molto di più su se stessi. Tipo, “sono arrabbiato perché non ottengo quello di cui ho bisogno da questa band”, e poi quando è aperto a te, ti rendi conto che, “Wow, è più difficile di quanto pensassi…” Voglio dire, non puoi avere quattro leader. Non puoi. Le cose buone emergono alla fine comunque, non importa da dove provengano. È quello che voglio. Voglio che tutti i canali siano aperti in modo che le cose buone possano venire fuori in superficie, e non importa da dove vengano.

SC: Il concetto per l’album, le “72 stagioni”, essenzialmente i tuoi primi 18 anni… Mentre stai mettendo insieme questi riff, sta emergendo anche il lato lirico di ciò che scriverai per le canzoni? Se sì, lo stai condividendo con tutti? Ti siedi e dici, “Guarda, questo è ciò di cui parlerò. Questo è ciò che accadrà”?

JH: Non è che non lo sto condividendo con loro; non lo so ancora.

In passato, c’erano, sai, 14 riff, 14 idee di canzoni. E le collegavi solo – cosa si abbina con cosa. Molte di esse erano o solo argomenti o parole potenti o forse persino solo un titolo di una canzone senza altro. Quello che ho cercato di fare questa volta è stato introdurre i modelli vocali e il ritmo, l’intensità. Cosa faranno le voci in questa canzone? Ho cercato di introdurre questo prima che mai per farmi sentire più a mio agio, e farlo diventare parte del processo di scrittura della canzone, così Lars può capire dove rilassarsi, dove impazzire, dove mettere certi piatti persino. Penso che sia utile per tutti avere almeno un’idea di cosa faranno le voci. Alcune canzoni hanno richiesto 10 diverse idee, e ne avremmo tagliate e incollate. “L’inizio di questo verso è davvero fantastico, ma la seconda metà del verso in questo è davvero fantastica. Mettiamo insieme queste due cose”. Quindi ero molto più vulnerabile non tanto per i testi, ma per il ritmo, le voci. Era liberatorio anche questo, ed è stato utile per tutti. E poi riempire gli spazi vuoti con i testi dopo, cosa che trovo davvero stimolante e divertente. È un enorme rompicapo.

SC: È interessante perché ho avvertito che ti sei esibito molto di più vocalmente. La parola “vulnerabile” riemerge ancora una volta. Voglio dire, ci sono momenti in cui sembra che la tua voce stia quasi per spezzarsi. In realtà diventa quasi, non sottile, ma è come se stessi spingendo e spingendo e spingendo. Quindi mi stai dicendo che quel ritmo è venuto prima che tu iniziassi a scrivere i testi?

JH: Sì.

SC: Quindi ora devo chiederti, il ritmo quindi informa il concetto dei testi?

JH: A volte. A volte no. Ed è una sfida a sé stante.

Sai, il canto veloce non è adatto a parole profonde e intense. Non so davvero come spiegare come funziona quel processo… Voglio solo dire che penso che la pandemia, stare a casa, avviare alcune di queste canzoni a casa, smanettarci nel mio studio domestico mi ha fatto sentire un po’ più aperto e un po’ più libero nel provare cose diverse. Poi le avrei mandate, e poi la gente le avrebbe sentite e avrebbe detto: “Wow, non hai mai suonato così prima”, o “hai fatto quello”, e “è fantastico!” O “non mi piace”. Va bene. Ma mi sentivo a mio agio nella mia stanza di casa, poter fare quelle cose invece di dire, “Okay, ora è il momento di provare questi testi,” e stare seduto in una cabina vocale.

Quindi avevo lavorato e lavorato e lavorato su queste voci e testi su certe note. Voglio dire, ci sono registri più alti in questo disco di quelli che ci siano mai stati. Ci sono cose più “ruggenti”. Non so, mi sentivo molto più libero con solo me e il mio microfono a casa. Per me, affronto davvero le voci come un altro strumento. Sono un chitarrista ritmico. Amo il ritmo, amo la percussione, amo suonare la batteria. Le voci sono un’altra parte di quella percussione.

SC: Le 72 Stagioni come concetto é molto intenso. Lasciami chiederti, quanto di questo è stato informato dal punto di vista dei testi dalla tua vita da bambino? E quanto è stato informato dalla tua vita da genitore?

JH: Beh, le 72 Stagioni come concetto, quello è stato elaborato da qualche altra parte. Significa che era un concetto – erano le “72 stagioni del dolore,” e ho eliminato la parte del “dolore” perché i primi 18 anni di vita non sono tutti dolore. E tendiamo solo a concentrarci su questo nella nostra vita adulta, tipo, “Devo sistemare tutta la roba che era sbagliata quando ero bambino.” C’erano anche cose fantastiche, quindi le 72 Stagioni, ognuno ha la propria versione di quali siano state le sue 72 stagioni e cosa significhino per loro adesso.

Avere figli ti aiuta sicuramente a capire la tua infanzia e cosa abbiano passato i tuoi genitori. Più il secondo. Sai, essere un genitore, tipo, “Dai ragazzi, datemi una pausa. Sono solo umano!” Ma quando sei un bambino, guardi i tuoi genitori come dei. Non possono fare nulla di male, e qualsiasi cosa dicano è quella che dovrebbe essere. Poi, quando cresci, dici, “Accidenti, mi dispiace avervi messo su un piedistallo, vi ho fatti dei dei, e vi ho incolpati per questo e quello, o ho desiderato diversamente, ma eravate solo umani anche voi. Facevate del vostro meglio, e stavate lavorando con gli strumenti dei vostri genitori.”

Retrocede generazionalmente, e da genitore, davvero, quello che voglio fare è forse farlo un po’ meglio di come l’hanno fatto i miei genitori. Questo è davvero quello che voglio chiedermi. C’è un’eredità di quello che hanno portato… erediti alcune di quelle cose. Ci sono alcune cose su cui devo lavorare, ci sono alcune cose che devo completamente dimenticare, e ci sono alcune cose che devo trovare. Tutti hanno avuto un’infanzia. La maggior parte delle persone che ho incontrato ha avuto un’infanzia. Che sia buona o cattiva, possiamo decidere in seguito nella vita. Non puoi cambiare la tua infanzia, ma puoi cambiare il concetto che ne hai e cosa significhi per te adesso.

SC: Questo è un punto cruciale da affrontare perché quando viene presentato, anche a me finora, sembra che le 72 Stagioni siano quasi una meditazione oscura sulla tua infanzia. Ma quello che stai dicendo è no, non deve essere così. È buono e cattivo; è positivo e negativo. E mi stai quasi dicendo che, in un certo senso, forse hai perdonato i tuoi genitori per alcune delle trasgressioni che potresti aver attribuito loro negli anni precedenti. È quello che sembra stai dicendo.

JH: Sì, assolutamente. Aggrapparsi al passato non mi ha fatto bene, ma cambiare la narrazione della mia infanzia è stato utile. Ed è un processo che dura tutta la vita, amico mio.

SC: Sì, e penso che sia importante che le persone capiscano la direzione in cui stavano andando questi testi per te, che siano solo un’estensione ulteriore di te che liberi il tuo lato oscuro.

JH: Beh, è interessante rifletterci, sai. “Sono chi sono solo a causa di tutto questo? Posso cambiare? Posso non cambiare? Sono in grado di cambiare? È questo solo innato, è nei miei astri? Ho letto il mio oroscopo per oggi, e così è?” Non lo so. Nessuno lo sa, e certamente nemmeno io.

So quali parti di me vorrei cambiare e richiedono lavoro, ed è un lavoro difficile. Ma ne sono consapevole, e se ci sono cose che non posso cambiare, questo non dipende davvero da me. Ma la parte dela “colpa”, incolpare i miei genitori per questo e quello e così via, deve smetterla. Perché ho la capacità di fare le mie scelte ora. C’è molta psicologia in questo, e posso pensarci troppo, ma alla fine della giornata, sono queste 72 stagioni che formano la mia vera o falsa identità? Sono in grado di cambiare o no? È una domanda per tutta la vita.

SC: È fantastico. Non sembri così spaventato ad affrontare cose oscure, cose di merda, o cose di merda su te stesso che non ti piacciono, non ti piacevano e potresti non piacerti in futuro. Di nuovo, sembri molto più a tuo agio con il fatto che “fa parte dell’intero quadro, ed è okay”. Sembra essere un tema. “Chasing Light” mi parla in quel modo.

JH: Sì, suppongo che più invecchio, mi rendo conto, “Va bene, c’è un tempo limite per me, e perché non dovrei mettere a nudo la mia anima nella mia arte?” E diventa sempre più sicuro man mano che invecchio.

SC: Ma anche nella tua vita di tutti i giorni, sembra che tu sia più a tuo agio con il fatto che quando quella cosa negativa appare per cena come un ospite non invitato, piuttosto che chiudere la porta a chiave, trovi un modo per mettere un piatto sul tavolo e farci i conti.

JH: Esatto, sì. Invita quel demone a cena, passa del tempo e comprendilo, conosci meglio. Ciò toglierà la sorpresa o il pungiglione. Quel demone non se ne andrà. Mi trovo spesso bloccato nel “C’è qualcosa di sbagliato in me. Devo cambiarlo, o altro.”

SC: Anche tutti lo fanno.

JH: Sì. E penso che la chiave per me, almeno quello che sto sentendo ultimamente, sia di imparare su di esso. Se non ti piace qualcosa, impara su di essa, e ti insegnerà qualcosa.

SC: Per me, puramente in termini di energia grezza e testi, 72 Seasons sembra molto un fratello grande e completamente formato di St. Anger in un modo strano. La sua cruda intensità e il modo in cui quei testi erano così crudi. E penso che su St. Anger ci sia probabilmente più dolore di quanto abbia sentito in qualunque altro disco che hai pubblicato da allora. Ha senso?

JH: Sì, quella purificazione, vedere il “perché” del dolore. Anche, ovviamente, facendo molta introspezione e lavoro su sé stessi… tutti questi testi sono affiorati. E ha senso dare loro un posto dove parlare, metterli in certe situazioni. In certe canzoni, c’è un bambino, non c’è un bambino, c’è un adulto, c’è un qualunque. Ma lasciarli avere una voce e includerli in me.

SC: È un sollievo sapere che man mano che prendi in considerazione queste lezioni di vita – e magari non sei più arrabbiato per alcune cose che eri solito essere – che non significa che i riff scenderanno di diversi watt? Che, “Ehi, io continuo a farlo. Suono ancora duro. Posso ancora suonare aggressivamente anche se sto avendo una giornata okay e anche se sto esprimendo un’emozione positiva!” È un sollievo?

JH: L’ho sempre sentito. Non è nuovo per me. Ma mi rendo conto che inseguire la felicità è un po’ futile. Se accetto e mi sento a mio agio con ciò che ho, allora posso creare la felicità lì invece di continuare a cercare, cercare, cercare, cercare. E poi questo placa anche le paure degli altri che “Se non sei arrabbiato, non farai grande musica”. È un po’ ridicolo. Molti artisti attraversano molte fasi della vita. Guardi i dipinti, guardi i testi, e ti piace ciò che fanno, o no. Ma essere fedele a ciò che sta accadendo dentro di te attraverso la tua forma d’arte è importante per me.

SC: Un’altra domanda su te e Lars: lui ti chiede mai dei tuoi testi? Avete mai avuto la proverbiale “chiacchierata con tè e biscotti” a riguardo?

JH: Non c’è stato molto di quello. Ci sono stati commenti da parte sua dicendo semplicemente, “Wow, questi testi sono davvero buoni,” senza entrare nei dettagli. E neanche io lo faccio con la sua batteria. Sai, “Quando colpisci il terzo tom in quel roll, è stato fantastico. Mi ci sono davvero identificato!” Ci fidiamo l’uno dell’altro di portare il meglio sul tavolo. Penso che questa volta, più che altro, alcuni dei feedback che ho ricevuto da lui sono stati, “Mi piace questa cadenza più di questa.” Semplice come quello.

Non erano tanto i testi, ma sui titoli delle canzoni c’è un intervento, e posso innervosirmi perché Lars può chiamare una certa canzone di tre album fa, e la chiama ancora col titolo provvisorio. Sai, “Oh, sì, è il riff dello Scoiattolo Nero.” Tipo, “Ma che cosa stai dicendo? Oh, intendi ‘Cyanide’?” [I nostri potenti verificatori dei fatti hanno detto che era effettivamente “Broken, Beat & Scarred” – ED] “Sì. Sì, esatto.” E posso prenderlo come un’offesa per non voler includere il contenuto lirico in quell’opera d’arte, o posso semplicemente dire che è lì che è la sua testa. Ricorda quel riff e mettere quel riff in quella canzone, ed è lì che si trova.

Ma quando si tratta di titoli di canzoni, gli piace esprimere la sua opinione, e lo metto fuori a tutti nella band. Facciamo un piccolo pow-wow e diciamo, “Ehi, ecco cosa sto pensando per i titoli delle canzoni. Cosa ne pensi?” È come quello che facciamo con l’artwork o il titolo dell’album stesso. Quindi è una democrazia in quel senso. Trovo che vivere in consultazione su questo sia utile. A volte non è quello che voglio sentire, ma di nuovo, tutti dobbiamo fare i conti con le differenze di opinione e essere un po’ umili nella band. Questo rappresenta noi tutti e quattro, e anche più dei soli quattro di noi, vogliamo solo renderlo il migliore possibile. E una volta capito che tutti vogliono il meglio, allora puoi proporre la democrazia. E se tre persone dicono che questo è migliore di questo, va bene, va bene.

SC: Quindi immagino che tra te e Lars sia un po’ così, “Non sappiamo o definiamo come è fatto il salsicciotto. Godiamocelo solo.” Non modificare troppo le dinamiche perché se sai troppo sui processi o sui pensieri dell’altro, allora la magia potrebbe scomparire.

JH: Sì, concordo con quello… come è fatto il salsicciotto. E non sono molto bravo a portare in mente o nell’anima nulla di tutto ciò. “Oh, quel riff è stato scritto da lui, o quel titolo di canzone era suo…” Alla fine della giornata, potrebbe essere importante, ma non me ne importa, e non posso dirti chi ha scritto quali riff, davvero. Ed è bene così.

SC: Vado a “Inamorata” ora. È una brillante conclusione dell’album perché lascia quasi un punto interrogativo su dove stanno andando i Metallica. Non è una conclusione; è un “cosa viene dopo?” il modo in cui finisce. È probabilmente il più vicino fade-out che hai avuto da molto tempo. Rimane sospeso in quel modo. Per me, la canzone era l’ultima tua pace con il disaccordo.

Prima di entrare nella canzone e come è stata creata, semplicemente non posso credere che voi ragazzi non vi siedereste alla fine di averla ascoltata, solo per avere una chiacchierata e dire, “Beh, potrebbe essere una delle migliori cose che abbiamo scritto.” Non sto dicendo che vi stareste schiaffeggiando le spalle, ma è incongruo per me che voi commentiate così poco gli aspetti positivi di ciò che portate sul tavolo. Pensate che questo cambierà mai? Pensate che sarete mai in grado di dirvi, “Fantastico, abbiamo fatto un ottimo lavoro”?

JH: Beh, è interessante che tu lo porti su. Gli “Atta boys” o i “Congratulazioni, ragazzi, abbiamo appena fatto un disco fantastico…” È strano. È come fermarsi a metà di una gara per dire, “Ragazzi, vi state comportando davvero bene in questa gara.” Voglio dire, non è che è una gara fino alla fine, ma siamo nel mezzo della vita, sai. Lars mi ha detto in due occasioni che abbiamo fatto un disco davvero fantastico, e dovremmo essere davvero orgogliosi di questa cosa. Per tutto quello che abbiamo passato, alti e bassi, e attraverso la pandemia e tutte quelle cose, abbiamo fatto un disco fantastico, e possiamo essere orgogliosi di quello. Sai, musicalmente, liricamente, artisticamente, concettualmente, penso che sia abbastanza forte, e mi sento bene. Di nuovo, è un’altra tappa della gara.

SC: Questo spiega completamente le cose – è un viaggio continuo. Ho sempre detto che non ti vedo mai scrivere un’autobiografia. E che se la gente vuole…

JH: …ogni album è un’autobiografia. Sto scrivendo la storia della mia vita attraverso i testi di tutti gli album.

SC: Sì, penso di sì. Lascia che ti chieda dei testi conclusivi di “Inamorata”: “Lei non è il motivo per cui vivo” e “Lei non è ciò per cui vivo”. Ho dovuto cercare cosa significasse “Inamorata”, e in realtà significa “tua signora” o “la tua compagna femminile” dall’italiano “innamorata”?

JH: Sì. Intendo l’intera canzone, sai, la miseria come mia amante, e sto cercando di nasconderla. La godo in certi momenti, ma non voglio che il mondo sappia di lei. Non voglio presentarla al mondo perché non va bene. Quindi la miseria come amante, serve un certo scopo nella mia vita, ma non voglio che sia la mia vita, e sono stanco che mi comandi la vita.

SC: Potente, potentissimo.

Cambiamo argomento per un attimo e parliamo degli strumenti a corda che hai usato. Facci un riassunto delle chitarre che compongono il suono di questo disco.

JH: Sì, l’attrezzatura usata in questo disco… sono sempre alla ricerca di un tono migliore, sempre alla ricerca di un suono di chitarra migliore. E finisco per usare cose che ho usato in precedenza perché semplicemente suonano meglio, e va bene così. Mi aiuta a esprimermi.

C’è la chitarra Copperhead, Copper Top, come vuoi chiamarla, ma è quella in rame che è una snakebyte che è stata dipinta, terribilmente spessa e non dovrebbe suonar bene affatto. I pickup sono stati dipinti!!! Ha il tono. Suona benissimo come chitarra principale, quindi quella viene sempre messa giù per prima. L’ho usata un sacco su Hardwired. La chitarra So What! ha avuto un po’ di utilizzo, la chitarra EET FUK è apparsa molto come seconda chitarra.

Ma la chitarra che probabilmente è comparsa di più su qualunque canzone oltre alla Copper Top è stata la OGV, sai? La prima chitarra che ho suonato nei Metallica. È appesa nella sala di controllo, e posso prenderla e suonarla. E con tutti i suoi segni e danni… anelli che hanno fatto buchi, graffi e questo e quello, soprattutto sul manico, è solo un campo minato che è stato distrutto. Si sente comoda, fantastica, suona facilmente e suona vivace e giovane. Quindi quella chitarra probabilmente non andrà mai via, penso. Spero che mi accompagni alla tomba.

SC: Quando la indossi… quando la suoni, è come Ritorno al Futuro?

JH: Mi ricorda il tour di Kill ‘Em All, di sicuro. Lo fa proprio. Era l’unica chitarra che avevo, quindi deve ricordarmi quello. Ma siamo stati all’inferno e siamo stati in paradiso insieme. È sicuramente morta qualche volta ed è tornata in vita. Il manico è stato rotto, la paletta si è staccata tre volte, e il ponte si è appena rotto su questo album. Ma è una sopravvissuta, come me, e questa chitarra è stata un grande amico.

SC: Parliamo di cosa sta facendo Tim Saccenti a livello di video; com’è avere qualcuno come lui che interpreta queste canzoni? Quali sono i tuoi sentimenti riguardo alla sua interpretazione finora, e com’è lavorare con la sua estetica?

JH: Accidenti. Abbiamo una fantastica famiglia artistica allargata, dalle grafiche alla ripresa video, concetti, idee. Davvero grato per queste persone nella mia vita che aiutano a trasformare le nostre idee in un visivo. Sono sempre stato un grande fan di grafica, video, loghi, tutte quelle cose, ovviamente. E avere persone affini che sono in grado di, accidenti, domare nuove, folli cose… lo adoro.

E per quanto riguarda Tim, il nostro regista in questi video, sono sbalordito dalla sua visione. Vai in un capannone maledettamente distrutto, freddo e puzzolente da qualche parte in una zona abbastanza pericolosa, e crei alcune delle opere d’arte più belle mai viste. È fantastico. La sua visione è, forse, “Non renderla elegante. Rendila un po’ una lotta.” O “Facciamo in modo che sia già danneggiata, e poi danneggiamola ancora di più. Qualunque cosa facciamo lì dentro, non la farà male ancora di più.”

E sono anche sbalordito da come dieci giorni fa abbiamo girato questa cosa, e ora c’è una versione modificata che sta per uscire. Fatto! Come cosa? Come si fa a girare così rapidamente? Ed è perché lui è un artista live! Ha un tecnico luci, ha un tecnico laser, ha dei ragazzi. E grida di cambiare il colore o di accelerare qualcosa. È un vero regista che dà gli ordini sul momento. Questo non è, “Oh, lo sistemeremo dopo.” Sta facendo uno show live. Davvero lo è. Quindi le sue luci, i suoi laser, la sua visione, dove vanno le telecamere, è uno spettacolo dal vivo in un certo senso, ma fatto in modo molto teatrale.

SC: Parlando di David Turner (che, insieme a Jamie McCathie e Ian Conklin, ha progettato tutto il packaging e l’estetica di 72 Seasons). Ti chiedo cosa significa per te il colore giallo quando lo vedi?

JH: Il giallo, per me, è luce. È luce. È una fonte di bontà. Quindi, contro il nero, risalta davvero. È luce.

La mia visione era che volevo che questo album si chiamasse Lux Æterna perché riassumeva tutte le canzoni per me, una luce eterna che era sempre dentro di noi che forse sta solo ora emergendo. E sono stato battuto ai voti, il che è fantastico. 72 Seasons è sicuramente più digeribile. Devi capire cosa sia. Devi scavare e masticarlo un po’ di più. Ma quel colore è emerso da “Lux Æterna”.

SC: Parliamo di portare tutto in tour – 25 spettacoli all’anno. Sai dove sarai per i prossimi due anni, e sai anche che questi spettacoli saranno, direi, fisicamente impegnativi. Non vedi l’ora di affrontare questa sfida e i concetti dietro la produzione in-the-round, in uno stadio?

JH: Quello che so di me è che sono un tipo ansioso, e prima di qualsiasi cosa – girare un video, andare in tour, tornare dal tour – ho ansia su com’è che sarà. E cerco di capirlo… ed è come, basta!!!! Sai, quando arrivi lì, vedrai la tua famiglia on the road, vedrai i fan, vedrai cosa stai facendo, e sarà tutto perfetto. Basta fidarsi che quando mi metto dietro al microfono, sono a posto. Questo è quello che faccio. Ma tutta l’attesa prima di quello è, “Oh, mio Dio, andrà bene? Cosa succederà qui?” e ho ansia, e va bene. Lo so di me stesso. Quindi, la preoccupazione, fa parte di me. E sto cercando di non lasciarla dominare perché so che una volta lì, sarà fantastico.

Sì, il palco sarà grande. Fare in-the-round in uno stadio. Ok! Abbiamo 59 anni. Cosa diamine stiamo facendo? Dovremmo andare su qualcosa di più piccolo! Ma ci piace la sfida. E dal vivo, specialmente, abbiamo dei grandi membri della famiglia che arrivano con grandi idee. E tutti ci passano. Sai, siamo andati di recente in uno stadio, ed era tutto segnato: com’è che sarà, posso arrivare dal microfono numero uno al microfono numero 20 tra le strofe o no? Quindi ci sono un sacco di cose che entrano in gioco, ed è qualcosa di diverso, ed è una sfida. Ma avendo un numero di persone nello Snake Pit che sarà… sarà fantastico. Voglio dire, senza dire troppo, mettere su uno show in-the-round in uno stadio, secondo me, non è stato fatto particolarmente bene finora. E noi ci proveremo.

SC: So che abbiamo discusso in passato delle “maschere” che indossi personalmente per esibirti. Ora sei più a tuo agio che mai nel mettere quella “maschera” dal vivo e nel godertela? Goderti quel lato di te stesso e non aver paura che, “Oh, sembro uno stronzo? Pensano che io pensi di essere un dio del rock” o qualcosa del genere?

JH: Io credo di sì. C’è meno dualità e più coerenza con essa. Non è un segreto che sul palco, io sono una persona diversa, Lars è una persona diversa. Penso che chiunque svilupperebbe qualche tipo di tecnica di sopravvivenza per stare davanti a 80.000 persone. La mia è diventata più umorismo e più, credo, intuizione. Più tirare fuori le cose di pancia, più abbracciare l’ignoto lì sopra. Vorrei poter fare meglio quella cosa nella vita normale. Ma se succede qualcosa di sbagliato sul palco con 80.000 persone là fuori e io… noi… sbagliamo una parola, o si spegne la corrente, o qualcuno cade dal palco, o si sbaglia una canzone e la si ferma… sono molto più a mio agio. Se mi avvicino al microfono, qualcosa uscirà che ha un senso, e non sarò paralizzato dalla paura di questo.

Penso che molto di questo abbia a che fare con l’essere più vulnerabili, essere ok con chi siamo: una band dal vivo. Siamo una band dal vivo. Vedrai degli errori orribili, accidenti. E sarà unico. Ma abbracciare anche un insieme di occhi. Per me, ci sono molti momenti in cui è solo questo gigantesco sfondo di persone che guardo come un’unica entità, una cosa che vibra. Quando riesco a guardare una persona negli occhi, a mettere un’anima in quella persona, e a identificarmi e parlare con quella persona in quel momento, è utile per me e lo rende più reale per me. Perché non c’è niente di veramente umile nel stare davanti a 80.000 persone, fare le forme, le persone che cantano le tue parole, è… è un’esperienza che non posso spiegare. Quindi qualsiasi cosa mi radichi e mi faccia sentire come un essere umano, come un errore, cadere sul palco, cose del genere, è tutto utile.

SC: Secondo me, un po’ di questo deve essere iniziato in Cile e ha continuato in Argentina, Brasile, e negli Stati Uniti l’anno scorso quando ti sei diretto con 60-, 70-, 80.000 persone parlando di come ogni tanto lottiamo tutti. E di guardare l’un l’altro, parlare l’un l’altro, e essere lì l’uno per l’altro. Quando hai sviluppato il coraggio di fare ciò e dirlo? Cosa ti ha spinto a fare questo passo?

JH: Posso pensarci troppo e cercare di venire fuori con una grande idea, ma non è stato merito mio. Se è quello di cui credo stai parlando nel mezzo di “Fade to Black”, c’è stata una pausa nella canzone, e avrei detto qualcosa del genere, “Potete sentirlo?” Ma [ho pensato] andiamo un po’ più a fondo. “Potete sentirlo? Sentite quello che sento io?” E spiegare un po’ di più i diversi sentimenti, i sentimenti tabù, i sentimenti indegni, i sentimenti come, “Non mi ci sento a mio agio,” e “Sono malato terminale.” “Sono unico e rotto, e non sarò mai così bravo come te.” Parliamone perché siamo tutti qui, e sento la stessa cosa. Sono qui e vivo il mio sogno, ma posso ancora sentire quelle cose. Quindi perché no? Voglio dire, ci sono momenti in cui mi sento – cavolo – mi sento insicuro e inutile qui fuori; non so cosa sto facendo. E dirlo sul palco, e la gente che va, “Wow, ok, poteva sentire tutto questo.” Sai, “Se sono al lavoro e sento di stare girando a vuoto o che la mia vita non va da nessuna parte, sì, non sono solo in questo.” Quindi, in ogni caso… sto cercando solo di essere umano. Sì, cercare di essere umano.

SC: Direi che ci stai riuscendo. Va bene, lasciami concludere con questo. Qual è la tua più grande speranza per il futuro?

JH: Wow. Immagino che la mia più grande speranza sia continuare a sentirmi speranzoso, sentire che c’è di più da esplorare. Che non ci si ritira dall’essere un artista. Che qualunque cosa accada, andrà bene, qualunque cosa accada. Gli obiettivi, sai, essere nel Guinness dei Primati per aver suonato in tutti i continenti in un anno, fantastico. Grandi storie da raccontare. Ma connettersi con le persone, essere di servizio, aiutare le persone attraverso le loro tenebre (la mia torcia funziona, a volte no), e poter dire tutto ciò ad alta voce! Potrebbe essere egoistico, [ma] mi aiuta a restare con i piedi per terra, e se si connette con qualcun altro, sto servendo il mio scopo.